颜色与光影处理
在中式绘画中，颜色的使用往往更加简洁和谨慎，注重色彩的内涵和象征意义。例如，在中国古代的山水画中，常用青绿调系来表现自然之美，而红色则多用于表示生命力或神圣感。在西方绘画里，尤其是印象派时期，则追求对光线的真实描绘，将阳光照射下的物体细致地渲染出来，使得作品充满了动态感。
线条风格与构图
东方文化中的绘画通常采用柔和、流畅的手法，即使是在表现纷繁复杂的情景也倾向于保持平衡和谐。而西方艺术家则更喜欢强调线条的张力和动态性，比如在梵高的作品中，可以看到明显的抖动笔触，这些都反映出不同文化对于视觉表达方式上的不同偏好。
人物肖像与表情
在中国传统绘画中，人物形象多以端庄优雅为主，对面部表情进行精心雕琢，以传达出一种超脱尘世、精神宁静的人格魅力。而西方艺术家对人物肖像有着极大的兴趣，他们不仅关注外貌，还特别注重捕捉个人的情感状态，从悲伤到欢乐，从自信到失落，无一不通过精确刻画眼睛、嘴唇等部位来展现。
细节与抽象性
东方艺术习惯于运用大量细节去构建整体形象，而这些细节往往包含深厚的情理寓意。相比之下，许多西方现代主义作家倾向于简化形状，并通过大面积纯色的应用来增强作品的抽象性。这两种风格各有千秋，每种都能激发观者不同的审美体验。
文学元素融入
在中国绘画史上，与文学紧密相连的是“诗意”——许多名著中的诗句被选取作为题材，或直接融入图案设计之中，如唐代诗人李白《将进酒》中的“君不见，一斐走到底，不见归路”的豪放气概，也成为后世很多书法家争相效仿的一种创作手法。而在欧洲文艺复兴时期，有些重要人物如莱昂纳多·达芬奇，他结合科学知识，将人类解剖学知识应用于他的画像上，为人称道。